Discografía de álbumes de estudio de David Bowie
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Discografía de David Bowie
David Bowie
David Bowie es el álbum debut homónimo del músico de rock David Bowie, lanzado en 1967 por Deram Records, una filial de Decca. El álbum contiene canciones que se parecen poco a lo que luego haría famoso a Bowie, como el folk rock de “Space Oddity” o el glam rock de The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. Los críticos de NME Roy Carr y Charles Shaar Murray han dicho, “un escuchante acostumbrado al Bowie de los años 1970, probablemente encuentre el álbum alarmante o simplemente pintoresco”, mientras que el biógrafo David Buckley lo describe como “el vinilo equivalente a The Madwoman in the Attic”.
Las influencias de Bowie en este punto de su carrera incluían melodías teatrales de Anthony Newley, actos de music hall como Tommy Steele, algunas de las más volubles obras del Reino Unido como material de Ray Davies de The Kinks, las primeras piezas de Syd Barrett para Pink Floyd o canciones de The Beatles como “Being for the Benefit of Mr. Kite”. El deseo, del por aquel entonces mánager de Bowie, Ken Pitt, para que este se convirtiese en un “artista completo” más que una “estrella de rock” también ha sido citado como uno de los motivos del eclecticismo del cantante en aquel momento, que prácticamente evitaba todo lo que tuviera que ver con el rock and roll. Bowie ha dicho que su álbum debut “parece tener sus raíces en todos lados, en el rock y vaudeville y music hall. No sabía si era Max Miller o Elvis Presley”.
Space Oddity
Space Oddity es el segundo álbum de David Bowie lanzado en 1969. Originalmente lo lanzó Philips en el Reino Unido bajo el título David Bowie y por Mercury en Estados Unidos como Man of Words/Man of Music, siendo relanzado por RCA Records en 1972 con el título actual.
Al respecto de su mezcla de folk, baladas y rock progresivo, los editores de NME Roy Carr y Charles Shaar Murray dijeron, “Partes pertenecen al 67 y otras al 72, pero en 1969 todo parecía incongruente. Básicamente, David Bowie se puede ver en retrospectiva como todo lo que Bowie había sido y un poco de lo que iba a ser, todo mezclado y luchando por el control…”
El álbum surgió después de que Bowie hiciera la transición de un músico inspirado en cabaret/vanguardia a un sonido hippie/folk, y como tal, el álbum es un punto de inflexión importante desde su debut en 1967.
La canción que da el título al álbum, fue utilizada por la cadena BBC para transmitir el alunizaje en 1969.
Considerado “el verdadero primer álbum de Bowie”, y considerado su primer esfuerzo digno para ser reeditado por compañías discográficas, en Space Oddity aparece una gran variedad de colaboradores, entre ellos los músicos de sesión Herbie Flowers, Tim Renwick, Terry Cox y Rick Wakeman, además del violonchelista Paul Buckmaster, el multiinstrumentista y productor Tony Visconti y el bajista John Lodge (no confundir con el bajista de The Moody Blues del mismo nombre). Antes de que comenzara la grabación del álbum en Trident Studios, se había seleccionado la canción “Space Oddity” para ser el primer sencillo basado en una demo. Tony Visconti lo vio como una “grabación novedosa” y le pasó a Gus Dudgeon la responsabilidad de la producción. Sin embargo Visconti produjo todo el resto de los temas que aparecen en el álbum. Tim Renwick, John ‘Honk’ Lodge, Mick Wayne y John Cambridge, todos de la banda Junior’s Eyes, aparecieron en las sesiones del álbum y sirvieron brevemente como la banda de acompañamiento de Bowie para las presentaciones en vivo y en una sesión de la BBC Radio en octubre de 1969.
Aunque la canción de apertura le había dado a Bowie el número 5 en el Reino Unido a principios de año, el resto del material se parecía poco a él y el álbum fue un fracaso comercial en su lanzamiento inicial, a pesar de algunas críticas decentes. The New York Times, en una reseña publicada más de un año después del lanzamiento del álbum, elogió el álbum, llamándolo, “una visión completa, coherente y brillante”. Por otro lado, el crítico de Village Voice, Robert Christgau consideró este álbum, al igual que su debut, como “excursiones exageradas”. Sin embargo, la reedición de noviembre de 1972, lanzada cuando Bowie comenzó a tener éxito con The Rise and Fall of Ziggy Stardus and the Spiders from Mars, y presentando una foto contemporánea de Ziggy en la portada, quedó en el puesto 17 en las listas del Reino Unido y en el 16 en Estados Unidos.
The Man Who Sold the Worl
The Man Who Sold the World es el tercer álbum de estudio del músico. En un principio se lanzó a través de Mercury Records en noviembre de 1970 en Estados Unidos y en abril de 1971 en el Reino Unido.
Fue el primer álbum de Bowie con el núcleo de lo que sería “Spiders from Mars”, la banda de apoyo famosa por The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars de 1972. Aunque el biógrafo David Buckley ha descrito al anterior álbum del cantante Space Oddity como “el primer verdadero álbum de Bowie”, los críticos de NME Roy Carr y Charles Shaar Murray han dicho de The Man Who Sold the World, “aquí es donde realmente comienza la historia”.
Partiendo de la música en gran medida acústica del segundo álbum de Bowie, The Man Who Sold the World generalmente se considera un álbum de hard rock.
El álbum fue escrito y ensayado en la casa de David Bowie en Haddon Hall, Beckenham, una mansión Eduardiana convertida en un bloque de pisos que fue descrita por un visitante como un ambiente “como la sala de estar de Drácula”. Como Bowie estaba preocupado con su nueva esposa Angie en ese momento, la música fue arreglada en gran parte por el guitarrista Mick Ronson y el bajista/productor Tony Visconti. Aunque a Bowie se le acredita oficialmente como el compositor de toda la música del álbum, el biógrafo Peter Doggett citó a Visconti diciendo que “las canciones las escribimos nosotros cuatro. Nos metíamos en un sótano, y Bowie simplemente decía si le gustaban o no” En la versión de Doggett, “La banda (a veces con Bowie contribuyendo en la guitarra, a veces no) grabaría una pista instrumental, que podría o no estar basada en una idea original de Bowie. Entonces, en el último momento posible, Bowie de mala gana se levantaría del sofá en el que estaba descansando con su esposa, y lanzaría una serie de letras”. A pesar de su molestia con la fijación de Bowie en la vida matrimonial durante la grabación de The Man Who Sold the World, Visconti todavía lo calificó como su mejor trabajo con Bowie hasta Scary Monsters (And Super Creeps) de 1980.
Hunky Dory
Hunky Dory es el cuarto álbum de estudio de David Bowie, lanzado por RCA Records en diciembre de 1971. Fue el primer disco de Bowie en ser distribuido por RCA, que siguió siendo su discográfica durante una década.
Stephen Thomas Erlewine de Allmusic describió a Hunky Dory como «una selección caleidoscópica de estilos pop, atados por la visión de Bowie: una profunda y cinematográfica mezcla de arte de todos los niveles, sexualidad ambigua, kitsch y clase”.
El álbum ha sido aclamado por la crítica desde su lanzamiento, y es considerado como uno de los mejores trabajos de Bowie. Time lo eligió como parte de su lista de los “100 mejores álbumes de todos los tiempos” en enero de 2010, con el periodista Josh Tyrangiel elogiando la “ambición terrestre de Bowie de ser un poeta bohemio con estilo pródigo”.
El estilo de la portada del álbum, diseñado por George Underwood, fue influenciado por un libro de fotos de Marlene Dietrich que Bowie llevó consigo a la sesión de fotos.
Con la partida de la mano derecha de Bowie Tony Visconti y su reemplazo al bajo por Trevor Bolder, Hunky Dory fue la primera producción que contaba con todos los miembros de la banda que después pasarían a ser Ziggy Stardust’s Spiders From Mars. También debutando con Bowie, como productor en lugar de Visconti, se encuentra otra pieza clave de la época de Ziggy, Ken Scott. La contraportada del álbum llevaba la acreditación «Producido por Ken Scott (asistido por el actor)». El «actor» era el mismo Bowie, cuyo «concepto de sí mismo», en palabras de los críticos de NME Roy Carr y Charles Shaar Murray, era «pensar en sí mismo como un actor».
The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars
The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars o también conocido simplemente como Ziggy Stardust, es el título del quinto álbum de estudio y el primer álbum conceptual de David Bowie, publicado en 1972. Fue el disco con el que el artista consiguió llegar a las grandes audiencias y está considerado uno de los mejores álbumes de su carrera y el más representativo del glam rock. También ha sido incluido en la mayoría de las listas de los mejores discos de la historia del rock que elabora la prensa especializada y ha influido a numerosos grupos y artistas desde que se publicó.
El álbum narra la historia de Ziggy Stardust, un extraterrestre bisexual de imagen andrógina que se convierte en estrella del rock con el que Bowie quiso combinar la ciencia ficción y el teatro japonés kabuki. Este personaje fue el primer álter ego que adoptó Bowie en su carrera, al que posteriormente seguirían otros como Aladdin Sane o el Duque Blanco. El disco comienza con Ziggy revelando a los habitantes de la Tierra que solo quedan cinco años para que su planeta desaparezca, tras lo que decide convertirse en un «mesías rock» para salvarlo de la destrucción. Finalmente termina por abandonar sus objetivos y siendo víctima de su propio éxito.
El propósito de Bowie al concebir el personaje fue adaptar el concepto de los musicales de Broadway al rock, creando una estrella prefabricada que aunara elementos de ambos géneros. Para dotar de una mayor teatralidad a su puesta en escena, utilizó las técnicas que aprendió durante su etapa como actor en la compañía teatral del performer y mimo Lindsay Kemp, quien también fue el responsable de la coreografía de Ziggy y el grupo durante sus conciertos.
Aladdin Sane
Aladdin Sane es el título del sexto álbum del artista británico David Bowie, publicado por la discográfica RCA Records en el año 1973. Es el primer álbum que publicó tras The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, considerado como uno de los mejores de su carrera, y el primero que escribió desde un genuino estatus de estrella pop.
Aunque muchos críticos opinan Aladdin Sane contiene parte de los mejores momentos de Bowie, las opiniones acerca de la calidad del disco en su conjunto han estado más divididas. De este modo, los editores de NME Roy Carr y Charles Shaar Murray señalaron que el álbum era «extrañamente insatisfactorio, considerablemente inferior a la suma de sus partes», mientras que el erudito sobre Bowie Nicholas Pegg sostiene que se trata de «una de las más apremiantes, convincentes y esenciales» de sus obras. La crítica que Ben Gerson preparó para Rolling Stone sostiene que se trata de un álbum «menos frenético que The Man Who Sold The World y menos íntimo que Hunky Dory, sin ninguno de sus ataques de falta de confianza».
La tapa del disco fue realizada por Brian Duffy y si bien la crítica tuvo opiniones acerca de Aladdin Sane, no se puede ignorar que la iconografía del rayo azul y rojo que cubre el ojo derecho de David Bowie se volvió un auténtico referente de la cultura pop.
En 2003, el álbum fue clasificado, entre los seis discos de Bowie que entraron a la lista de Rolling Stone de los 500 álbumes más grandes de todos los tiempos (en el N° 277) y luego ocupó el puesto N°77 en la lista de Pitchfork Media de los mejores 100 álbumes de los años setenta.
Pin Ups
Pin Ups es el séptimo álbum de estudio del músico y compositor británico David Bowie que contiene versiones punk de otras canciones, lanzado por RCA Records en 1973. Fue su última grabación con ‘The Spiders From Mars’, su banda a lo largo de su etapa de Ziggy Stardust; Mick Woodmansey es reemplazado por Aynsley Dunbar como batería.
Pin Ups entró en las listas del Reino Unido el 3 de noviembre de 1973 (casualmente el mismo día que el álbum de versiones de Bryan Ferry, These Foolish Things) y se quedó allí durante 21 semanas, alcanzando el N°1. Volvió a entrar en las listas de éxitos el 30 de abril de 1983, esta vez durante quince semanas, alcanzando su punto máximo en el número 57. En julio de 1990, ingresó de nuevo en el cuadro, durante una semana, en el número 52.
Durante las sesiones se grabó una versión de “White Light/White Heat” de The Velvet Underground. Nunca fue lanzado; Bowie donó la pista de acompañamiento a Mick Ronson para su álbum de 1975 Play Don’t Worry.
Según el coproductor Ken Scott, el LP se concibió originalmente como “un completo opuesto a los otros álbumes de Bowie”, compuesto de versiones de canciones y una canción original, y principalmente se dirigió al mercado estadounidense ya que “quería hacer canciones que no se conocían tan bien en los Estados como lo fueron en Inglaterra”, pero finalmente el plan se abandonó. Pin Ups fue el primero de dos álbumes de “nostalgia de los ’60” que Bowie había planeado lanzar. El segundo, que se planeó llamar “Bowie-ing Out“, habría contenido a Bowie realizando versiones de sus artistas estadounidenses favoritos, pero nunca se grabó. Bowie también aparentemente había considerado hacer una secuela de Pin Ups: compiló una lista de canciones que quería versionar, algunas de las cuales aparecieron en sus últimos lanzamientos de Heathen (2002) y Reality (2003).
Diamond Dogs
Diamond Dogs es el octavo álbum de estudio de David Bowie, lanzado el 24 de mayo de 1974 por RCA Records. Temáticamente, fue la unión de la novela 1984 de George Orwell y la propia visión glamorosa de Bowie de un mundo post-apocalíptico. Bowie había querido hacer una producción teatral del libro de Orwell y comenzó a escribir material después de completar las sesiones de su álbum de 1973 Pin Ups, pero el patrimonio del autor negó los derechos. Las canciones terminaron en la segunda mitad de Diamond Dogs, donde, como lo indicaban los títulos, la temática de 1984 era prominente. El álbum ocupa el puesto número 995 en el All-Time Top 1000 Albums (3.ª edición, 2000) y el número 447 en los 500 mejores álbumes de todos los tiempos según NME.
Aunque el álbum fue grabado y lanzado después de la “retirada” de Ziggy Stardust a mediados de 1973, y presenta a su propio personaje principal, Halloween Jack (“un gato realmente genial” que vive en la decadente “Ciudad del Hambre”), Ziggy se siente aún vivo en Diamond Dogs, como lo demuestra el corte de pelo de Bowie en la portada y el estilo glam-trash del primer sencillo “Rebel Rebel”. Como fue el caso con algunas canciones de Aladdin Sane, la influencia de The Rolling Stones también fue evidente, particularmente en la canción que da nombre al disco. En otras partes, sin embargo, Bowie había abandonado su trabajo anterior con la serie de canciones épicas, “Sweet Thing” / “Candidate” / “Sweet Thing (Reprise)“, mientras que “Rock ‘n’ Roll with Me” y 1984, inspirado en el estilo de guitarra wah-wah de Shaft proporcionaron un anticipo de la siguiente fase “Plastic Soul” de Bowie. El vinilo original terminó con un estribillo de refrán “Bruh / bruh / bruh / bruh / bruh“, la primera sílaba de “(Gran) Hermano“, repitiéndose incesantemente. “Sweet Thing” fue el primer intento de Bowie en el estilo de escritura fragmentado de William S. Burroughs, que Bowie continuaría usando durante los próximos 25 años.
Young Americans
Young Americans es el noveno álbum del artista británico David Bowie, publicado en 1975 por RCA Records. Es uno de los discos más exitosos y emblemáticos de su carrera. El álbum marcó un alejamiento del estilo glam rock de los álbumes anteriores de Bowie, demostrando su interés en el soul y la música de R&B. Bowie llamaría al sonido del álbum “Plastic Soul”, describiéndolo como “los restos aplastados de música étnica que sobreviven en la era de la Muzak rock, escritos y cantados por un británico blanco”.
Las primeras sesiones de grabación tuvieron lugar en Filadelfia con el productor Tony Visconti y una variedad de músicos, incluido el guitarrista Carlos Alomar, quien se convirtió en uno de los colaboradores más frecuentes de Bowie, e incluyendo entre sus coristas a un jovencísimo Luther Vandross. Bowie se inspiró en el sonido de “salas de baile locales”, que sonaban con “lujosas cuerdas, un hi-hat deslizante y ritmos de R&B ostentosos del Philadelphia Soul”. Las sesiones posteriores tuvieron lugar en la ciudad de Nueva York, incluidas las contribuciones de John Lennon.
Aunque Bowie fue uno de los primeros músicos de pop ingleses de la época en participar abiertamente con estilos musicales negros, el álbum tuvo mucho éxito en los Estados Unidos; el álbum en sí alcanzó el Top 10 en las listas de Billboard, con la canción “Fame” llegando al número uno el mismo año en que se lanzó el álbum. En general fue bien recibido por los críticos.
Station to Station
Station to Station es el décimo álbum de estudio de David Bowie, lanzado por RCA Records en 1976. Comúnmente valorado como uno de sus trabajos más importantes, Station to Station se caracteriza también por ser el vehículo del último álter ego de Bowie, The Thin White Duke («El delgado duque blanco »). El disco fue grabado después de rodar la película de Nicolas Roeg, El hombre que vino de las estrellas. Durante las sesiones Bowie mostraba una gran adicción a las drogas, especialmente a la cocaína, y en sus últimos años poco recordó de su producción. Más tarde culparía a sus adicciones y a su álter ego por varios lapsus en su juicio durante ese período, caracterizados por perturbadoras inclinaciones hacia el fascismo y hacia la cocaína.
Musicalmente, Station to Station es un álbum de transición para Bowie, desarrollando el funk y el soul de su anterior disco Young Americans, al tiempo que presenta una nueva dirección hacia sintetizadores y ritmos motorik influenciados por bandas electrónicas alemanas como Kraftwerk y Neu!. Esta nueva tendencia en su repertorio culminó en algunas de sus obras más aclamadas, en la llamada Trilogía de Berlín, grabada con Brian Eno entre 1977 y 1979. Luego de explorar las características y la esencia de la vida americana en Young Americans, Bowie sintió que Station to Station fue «un llamado a volver a Europa para mí»; de hecho, The Thin White Duke es un personaje marcadamente europeo. Líricamente el álbum refleja sus intereses con Nietzsche, Aleister Crowley, la mitología y la religión; así como también con el amor, pero viéndolo desde una perspectiva mucho más oscura.
Con su mezcla de funk y el krautrock, romanticismo y el ocultismo, Station to Station ha sido descrito como «simultáneamente uno de los álbumes más accesibles de Bowie y a la vez uno de sus más impenetrables». Fue precedido por el sencillo «Golden Years», el cual llegó al top 10 en las listas del Reino Unido y EE. UU. El álbum fue bien recibido por la crítica y el público, y tuvo serios impactos en la vida personal y artística del cantante, e inclusive hasta influenciando a algunas bandas que surgirían posteriormente, como Magazine; convirtiéndose así, en uno de los álbumes más influyentes de la carrera musical de Bowie.
Low
Low es el undécimo álbum del músico y compositor británico David Bowie, publicado por RCA Records el 14 de enero de 1977. Grabado luego de la mudanza de Bowie a Berlín Oeste, después de un período de adicción a las drogas e inestabilidad personal. Low se convirtió en la primera de tres colaboraciones con el músico Brian Eno y el productor Tony Visconti, más tarde llamada la “Trilogía de Berlín”. De hecho, el álbum se grabó principalmente en Francia, y marcó un cambio en el estilo musical de Bowie hacia un enfoque electrónico y vanguardista que se exploraría más a fondo en los álbumes posteriores “Heroes” (1977) y Lodger (1979).
Aunque al principio se encontró con críticas mixtas, Low se ha vuelto ampliamente aclamado como una de las mejores y más influyentes obras de Bowie. Pitchfork lo colocó en el número 1 en su lista de los 100 mejores álbumes de la década de 1970, mientras que que lo colocó en el número 14 en su lista de los 100 mejores álbumes británicos de todos los tiempos. En 2013, NME catalogó el álbum como el 14º más grande de todos los tiempos. También fue catalogado como uno de los 500 mejores discos de todos los tiempos según Rolling Stone.
La génesis de Low se basa tanto en los fundamentos del álbum anterior de Bowie, Station to Station, como en la música que grabó para la banda sonora de The Man Who Fell to Earth. Cuando Bowie presentó su material para la película a Nicolas Roeg, el director decidió que no sería adecuado. Roeg prefería un sonido más folclórico, aunque John Phillips (el compositor elegido para la banda sonora) describió las contribuciones de Bowie como “cautivadoras y bellas”. Los elementos de estas piezas se incorporaron en Low. La portada del álbum, al igual que la de Station to Station, es una foto fija de la película: la imagen fotográfica, bajo el título del álbum, formaba un juego de palabras deliberado sobre la frase “low profile” (“bajo perfil”). El título del álbum durante su grabación fue New Music Night and Day.
Tras el período de Thin White Duke de Bowie y el éxito comercial de los sencillos “Fame” y “Golden Years” en 1976, estaba ansioso por escapar de la cultura de las drogas de Los Ángeles, donde había desarrollado una dañina adicción a la cocaína. Bowie ha dicho que no recuerda casi nada de las sesiones de Station to Station y que tiene recuerdos muy borrosos del periodo comprendido entre 1975 y 1976, lo que provocaría extraños cambios en su personalidad y en sus apariciones en público. Bowie también se había visto envuelto en una controversia con respecto a los comentarios que hizo aparentemente a favor del fascismo. Culpó por su comportamiento errático en su período Thin White Duke a sus adicciones y estado mental precario. Más tarde explicó: “Fue un período peligroso para mí. Estaba en el límite, físico y emocionalmente, y tenía serias dudas sobre mi cordura”. Bowie se trasladó a Suiza en la segunda mitad de 1976. Más tarde ese año, él, y su amigo y cantante Iggy Pop fueron a Berlín en un nuevo intento de abandonar su hábito de las drogas y escapar del centro de atención:
Heroes
Heroes es el duodécimo álbum de David Bowie, lanzado el 14 de octubre de 1977 por RCA Records. Es la segunda entrega de su ‘Berlin Trilogy’ junto a Brian Eno (siendo las otras Low y Lodger). “Heroes” desarrolla el sonido de Low en una dirección más positiva. De los tres álbumes, es el que más se ajusta a la denominación de “Berlín”, siendo el único que se grabó allí íntegramente. La pista que da nombre al álbum sigue siendo una de las más conocidas de Bowie, una historia de amor entre dos personas que se conocen en el muro de Berlín. El álbum es considerado por los críticos como uno de los mejores del artista, en parte gracias a la contribución del guitarrista de King Crimson, Robert Fripp, quién voló desde Estados Unidos y grabó sus partes en un día.
Fue bien recibido por la crítica y fue nombrado ‘Álbum del año’ por NME. La canción homónima sigue siendo una de las canciones más conocidas y aclamadas de Bowie. El álbum fue incluido en el libro 1001 Albums You Must Hear Before You Die.
Grabado en Hansa Tonstudio en lo que entonces era Berlín Oeste, “Heroes” reflejó el Zeitgeist (espíritu) de la época de la Guerra Fría, simbolizado por la ciudad dividida. El coproductor Tony Visconti lo consideró como “una de mis últimas grandes aventuras al hacer álbumes. El estudio estaba a unas 500 yardas (460 metros) del Muro de Berlín. Los Guardias Rojos miraban por la ventana de nuestra sala de control con potentes binoculares”. A principios de 1977, Kraftwerk había hecho mención de Bowie en la canción principal de su álbum Trans-Europe Express, y nuevamente Bowie le rindió homenaje a sus influencias de Krautrock: el título es un guiño al tema “Hero” del álbum Neu! ’75 de la banda alemana Neu! – cuyo guitarrista Michael Rother había sido abordado originalmente para tocar en el álbum – mientras que “V-2 Schneider” está inspirado y bautizado con el nombre de Florian Schneider de Kraftwerk.
La foto de portada de Masayoshi Sukita fue inspirada por el artista alemán Erich Heckel Roquairol. Bowie dijo que las comillas en el título “indican una dimensión de ironía sobre la palabra ‘héroes’ o sobre todo el concepto de heroísmo”.
Lodger
Lodger es el decimotercer álbum del músico y compositor británico David Bowie lanzado en mayo de 1979 por RCA Records. Es el último de la ‘Trilogía de Berlín’, fue grabado en Suiza y Nueva York con la colaboración de Brian Eno y el productor Tony Visconti. A diferencia de los dos álbumes anteriores de Bowie, Lodger no contenía elementos instrumentales y un estilo más orientado al pop mientras experimentaba con elementos de música mundial y técnicas de grabación inspiradas en las tarjetas ‘Oblique Strategies’ de Eno.
El álbum no fue, según los estándares de Bowie, un gran éxito comercial. Recibido de manera indiferente por la crítica en su lanzamiento inicial, ahora se considera ampliamente entre los álbumes más subestimados de Bowie. Fue acompañado por varios singles, incluido el éxito Top 10 del Reino Unido “Boys Keep Swinging”.
Es una de las obras más influyentes de Bowie, particularmente en el movimiento Britpop de los 90, con dos de las bandas principales del britpop, Oasis, que bautizaron su éxito número 1 de 1996 “Don’t Look Back in Anger” después de “Look Back in Anger” de Lodger, y Blur, que usó la misma secuencia de acordes de “Fantastic Voyage” y “Boys Keep Swinging” en su sencillo de 1997 “M.O.R.”.
Lodger recibió críticas relativamente pobres en su lanzamiento original, Rolling Stone lo llamó “uno de sus más débiles … dispersos, un anexo para “Heroes”, una pieza trascendental”, y Melody Maker lo encontró “ligeramente impersonal”. En la revista Smash Hits, el álbum fue descrito como “un rejunte de rechazos de estilos anteriores” con “destellos ocasionales de genialidad”. También fue criticado por tener una mezcla más débil y sucia que los álbumes anteriores de Bowie. Robert Christgau escribió favorablemente sobre el álbum en The Village Voice. Aunque dijo que las canciones pueden parecer impasibles y poco significativas, Christgau creía que esas cualidades eran “parte de su encanto: la forma en que confunden las categorías de sensibilidad y sofisticación es tan frustrante que es satisfactoria”. Lodger alcanzó el puesto N°4 en las listas de éxitos del Reino Unido y el N°20 en los EE.UU. en un momento en que el artista estaba siendo “apartado” comercialmente por sus nuevos “hijos New wave” como Gary Numan.
Scary Monsters (and Super Creeps)
Scary Monsters (and Super Creeps) es el decimocuarto álbum de David Bowie, lanzado en septiembre de 1980 por RCA Records. Fue el último álbum de estudio de Bowie para esta discográfica y el primero después de la Berlin Trilogy (Low, “Heroes” y Lodger). Aunque la trilogía de Berlín se consideró relevante desde un punto de vista artístico, no lo fue así atendiendo a las ventas.
Con Scary Monsters, sin embargo, Bowie logró lo que el biógrafo David Buckley llamó “el equilibrio perfecto”; además de ser aclamado por la crítica, el álbum llegó al N°1 y se convirtió en Platino en el Reino Unido, restaurando con éxito la posición comercial de Bowie en los Estados Unidos.
Aunque el álbum se conoce comúnmente como Scary Monsters (and Super Creeps), de acuerdo con el título de la canción, el título del álbum se encuentra escrito en la portada y contraportada del LP como Scary Monsters. . . and Super Creeps, el álbum se identifica simplemente como Scary Monsters en el lomo del LP y en la etiqueta del disco.
En el 2020 el álbum fue incluido en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone, ocupando el puesto 443.
Siguiendo el lanzamiento de “Ashes to Ashes” en agosto de 1980, anterior al álbum, y “Fashion” en octubre, la pista homónima fue editada como sencillo en enero de 1981 en formato de vinilo y casete. El sencillo final del álbum, “Up the Hill Backwards“, se lanzó en marzo de ese año. Otras canciones de este periodo, lanzadas en CD por Rykodisc, incluían ambos lados del sencillo “Alabama Song”, con una nueva versión de “Space Oddity” en la cara B, que debutó en la víspera de año nuevo de 1979 en The Kenny Everett Video Show y sirvió como una “purificación realista” del número más famoso de Bowie antes de su demolición con “Ashes to Ashes”; “Crystal Japan“, lado B de “Up the Hill Backwards” en el Reino Unido y un lado A con “Alabama Song” en Japón, donde además se la utilizó también para un comercial de Sake; y una nueva versión de “Panic in Detroit” de Aladdin Sane.
Let’s Dance
Let’s Dance es el decimoquinto álbum de David Bowie. Fue lanzado originalmente en abril de 1983, tres años después de su álbum anterior, Scary Monsters (and Super Creeps). Coproducido por Nile Rodgers de la banda Chic, el álbum contiene tres de sus singles más exitosos; la canción principal, “Let’s Dance“, que alcanzó el N°1 en el Reino Unido, EE. UU. y varios otros países, así como “Modern Love” y “China Girl”, que alcanzaron el segundo puesto en el Reino Unido. “China Girl” era una nueva versión de una canción que Bowie había coescrito con Iggy Pop para su álbum de 1977, The Idiot. También contiene una versión regrabada de la canción “Cat People (Putting Out Fire)“, que había alcanzado el número uno en Nueva Zelanda, Noruega y Suecia un año antes. Respaldado por canciones de ritmos bailables y con llamativos vídeos musicales, Let’s Dance se convertiría en el disco más vendido de la carrera de Bowie y le colocaría en el N.º 1 de los países de todo el mundo y en la portada de todas las revistas de moda.
Let’s Dance fue nominado para el Premio Grammy del Álbum del Año en 1984, pero perdió ante Thriller de Michael Jackson. Ha vendido 10.7 millones de copias en todo el mundo, convirtiéndolo en el álbum más vendido de Bowie. Es el decimoctavo lanzamiento oficial del álbum de Bowie desde su debut en 1967, incluyendo dos álbumes en vivo, un álbum de covers (Pin Ups, 1973) y una colaboración con la Orquesta de Filadelfia (1978). En un momento, Bowie describió el álbum como “un redescubrimiento del “inglés blanco exestudiante de arte que conoce el funk negro estadounidense, un reenfoque de Young Americans”. Let’s Dance también fue un escalón para la carrera del guitarrista de Texas blues, Stevie Ray Vaughan, que tocó en él. El álbum fue lanzado en edición limitada como Picture Disc (disco ilustrado) en 1983.
Las críticas para Let’s Dance como álbum han sido mixtas, aunque Rolling Stone luego lo describió como “la conclusión de, posiblemente, la mejor carrera de 14 años en la historia del rock”. Bowie sintió que tenía que continuar complaciendo a la nueva audiencia masiva que adquirió con el álbum, lo que lo llevó a lanzar dos álbumes más en solitario en 1984 y 1987 que, a pesar de su relativo éxito comercial, no se vendieron tan bien como Let’s Dance, fueron mal recibidos por los críticos en el momento y posteriormente descartados por el propio Bowie como sus “años de Phil Collins”. Más adelante, Bowie ayudaría a formar la banda de hard rock y predecesora del Grunge, Tin Machine en 1989 en un esfuerzo por rejuvenecerse artísticamente.
Tonight
Tonight (Esta noche en español) es el decimosexto álbum del músico y compositor británico David Bowie. Fue lanzado originalmente en septiembre de 1984, con el sello de EMI America. Salió luego de su álbum más exitoso comercialmente, Let’s Dance.
Describió al álbum, lanzado inmediatamente después de que terminara la gira de su álbum anterior, como un esfuerzo por “mantener mi mano [en la corriente popular], por así decirlo” y retener a la nueva audiencia que había adquirido recientemente.
El álbum fue un éxito comercial, alcanzó el número uno en la lista de álbumes del Reino Unido en octubre de 1984 y recibió un disco de platino de la Asociación de Industria Discográfica de Estados Unidos (RIAA) y un disco de oro de la Industria Fonográfica Británica (BPI). Hasta enero de 2017, había vendido más de 4.1 millones de unidades equivalentes a álbumes en todo el mundo. Ha recibido críticas en su mayoría negativas de críticos de música y Bowie expresó su insatisfacción con él en años posteriores.
El álbum cuenta con las colaboraciones de Iggy Pop y Tina Turner.
A pesar de algunas críticas positivas del álbum, otros críticos lo criticaron por carecer de creatividad. Padgham, quien co-produjo el álbum, también dijo que era menos innovador que otros álbumes de Bowie.
Un artículo de Melody Maker más tarde rechazó Tonight como “podrido”. El crítico de AllMusic, Stephen Thomas Erlewine, lo llamó “uno de los álbumes más débiles que Bowie ha grabado” y escribió que “nada del material iguala a las canciones de Let’s Dance“, aunque hizo una excepción con “Blue Jean”. The New Rolling Stone Album Guide describió Tonight como “algo costoso y hecho a las apuradas relleno con flojos covers”. Alexis Petridis, de The Guardian, declaró en una retrospectiva de la carrera de Bowie en 2016: “Let’s Dance … tuvo sus momentos … Tonight, sin embargo, no”.
Bowie más tarde se distanciaría del álbum, reconociendo que no fue uno de sus esfuerzos más fuertes. En 1989, cuando trabajaba con Tin Machine, reflexionó: “Hay cosas en [el álbum] que realmente podrían hacer que me golpee a mí mismo. Cuando escucho aquellos demos es como: ‘¿Cómo se convirtió en eso?’ Deberías escuchar el demo de “Loving the Alien”. Es maravilloso en el demo. ¡Te lo prometo! (Risas). Pero en el álbum, es … no tan maravilloso”.
Never Let Me Down
Never Let Me Down es el decimoséptimo álbum de estudio del músico británico David Bowie, lanzado el 20 de abril de 1987 por el sello de EMI America. Bowie concibió al álbum como el inicio de una gira mundial teatral y compuso y grabó la mayoría de las canciones en Suiza. Consideró al álbum, además, como un retorno a la música rock and roll. Tres sencillos se publicaron a partir del disco: «Day-In Day-Out», «Time Will Crawl» y «Never Let Me Down», de los cuales los dos primeros fueron éxitos Top 10 alrededor del mundo.
Uno de los álbumes con mayores ventas de Bowie a la fecha, Never Let Me Down fue certificado disco de oro en Estados Unidos por la RIAA a principios de julio de 1987, menos de tres meses después de su publicación y llegó al top 10 en varios países europeos, aun cuando solo alcanzó el puesto número 34 en las listas estadounidenses. A pesar de su éxito comercial, este álbum tuvo una pobre recepción entre los seguidores y la crítica, la que se ha referido a la segunda mitad de los años 80 como un punto bajo de creatividad e integridad musical para Bowie, quien después se distanció del álbum, aunque admitió sentirse orgulloso de muchas de sus canciones y, con posterioridad, hizo una remezcla de la canción «Time Will Crawl» (una de sus favoritas), para incluirla en su álbum recopilatorio, iSelect (2008).
Para la promoción de este álbum, Bowie realizó el Glass Spider Tour, una gira mundial que era, hasta aquel momento, la gira más grande, más teatral y más elaborada que había iniciado en su carrera. La gira, al igual que el álbum, fue un éxito comercialmente pero recibió ásperas críticas. El fracaso desde el punto de vista de la crítica del álbum y de la gira fue un factor que llevó a Bowie a buscar una nueva forma de motivar su creatividad, tras lo cual creó la banda Tin Machine en 1989 y luego retiró su clásico catálogo de las actuaciones en vivo una vez terminada su Sound+Vision Tour en 1990. El cantante no publicó otro álbum de estudio hasta Black Tie White Noise en 1993.
En julio de 2018 se reveló que el álbum se reeditaría como Never Let Me Down 2018 en octubre de 2018 con “una producción completamente nueva” y nueva instrumentación, supervisada por el productor/ingeniero Mario J. McNulty.
Black Tie White Noise
Black Tie White Noise es el decimoctavo álbum de David Bowie. Lanzado en 1993, fue su primer lanzamiento en solitario en la década de 1990 y su primer álbum en solitario en casi seis años, después de pasar tiempo con su banda de hard rock Tin Machine, retirar sus viejos éxitos en su Sound + Vision Tour y casarse con la supermodelo Iman. Este álbum fue un intento de hacer “un nuevo tipo de forma melódica de la música house” y contó con la participación de su viejo guitarrista de la era de Ziggy Stardust, Mick Ronson, quien murió de cáncer 24 días después del lanzamiento del álbum. Este álbum se inspiró en su propia boda e incluye temas como “The Wedding”, y su repetición al final del álbum, como una canción que refleja la ocasión.
El álbum es comúnmente visto como el comienzo de un renacimiento artístico para Bowie, cuyo entusiasmo y carrera creativos habían sufrido desde mediados hasta finales de los 80 luego de una serie de proyectos mal recibidos.
El álbum debutó en el número uno en la lista de álbumes del Reino Unido dos semanas después de su lanzamiento, su último álbum número 1 en el Reino Unido hasta The Next Day (2013).
En las entrevistas dadas antes del lanzamiento del álbum, Bowie fue especialmente tímido y se negó a divulgar el nombre del álbum o las canciones que estaba grabando. Bowie se sintió bien con el disco y dijo: “Estoy muy orgulloso de este disco. A riesgo de presumir mis habilidades, no creo que haya alcanzado este pico antes como artista y escritor”.
Las críticas del álbum fueron en general positivas, con un crítico llamando a este álbum “posiblemente su mejor desde Scary Monsters“. La revista Rolling Stone calificó al álbum como “uno de los discos más inteligentes de una carrera muy inteligente” y calificó la aclamación crítica y la adulación pública resultantes del álbum como “uno de los grandes trucos, al estilo de Houdini, en la historia del Rock & Roll”. Una reseña de 2011 del álbum hecha por la BBC acreditó la calidad de producción y la “inmensa confianza” de Bowie por un álbum que superó a sus predecesores inmediatos. Entertainment Weekly encontró al álbum en su mayoría “apático” y “cansado” con dos excepciones: la “soñadora” “Miracle Goodnight” y la “ingeniosa” “I Know It’s Gonna Happen Someday”. Robert Christgau, al escribir en The Village Voice, dijo que la música era “la más llamativa” de Bowie debido a sus ritmos de baile y texturas electrónicas, pero reaccionó negativamente a las letras de Bowie, por ejemplo. sobre las relaciones raciales en la pista homónima.
El álbum alcanzó el puesto número uno en la lista de álbumes del Reino Unido, con el apoyo de los sencillos “Jump They Say” y “Miracle Goodnight”. Sin embargo, hasta que se volvieron a lanzar más tarde en la década de 1990, el álbum fue extraordinariamente raro luego de que el incipiente sello Savage Records en el cual se había lanzado repentinamente quebrara.
Bowie intencionalmente no hizo una gira soporte para el álbum, diciendo: “Cielos, no. Me gustaría [hacer una gira], pero toma mucho tiempo … Creo que perdí mucho tiempo de mi vida haciendo eso.” Bowie haría una gira de nuevo recién en 1995 con su Outside Tour.
Outside
Outside (subtitulado como The Nathan Adler Diaries: A Hyper-cycle) es el decimonoveno álbum de estudio del músico británico David Bowie, lanzado el 25 de septiembre de 1995 por Arista Records. Este álbum significó la reunión de Bowie con Brian Eno, con quien había trabajado, entre otros, en su Trilogía de Berlín en la década de 1970. Outside se centra en los personajes de un mundo distópico en la víspera del siglo XXI. El álbum volvió a poner a Bowie en la escena principal de la música rock con sus singles “The Hearts Filthy Lesson”, “Strangers When We Meet” y “Hallo Spaceboy” (remezclada por Pet Shop Boys).
Bowie había reconectado con Brian Eno en su boda con Iman Abdulmajid en 1992. Bowie y Eno tocaron cada uno su música en la recepción de la boda, encantados por el ambiente de las parejas en la pista de baile. A ese punto, Bowie supo que “ambos estábamos interesados en mordisquear en la periferia del mainstream, en lugar de entrar de lleno. Nos enviamos largos manifiestos sobre lo que faltaba en la música y lo que nosotros deberíamos estar haciendo. Decidimos realmente experimentar e ir al estudio sin siquiera una sola idea.” Bowie y Eno visitaron el hospital psiquiátrico Gugging cerca de Viena, Austria, alrededor de 1994, y entrevistaron y fotografiaron a sus pacientes quienes fueron famosos por su “arte marginal.” Una de las canciones del disco, “I’m Deranged“, fue directamente influenciada por uno de los pacientes que Bowie entrevistó en el hospital. Bowie y Eno consiguieron llevarse algo de ese arte consigo al estudio, ya que trabajaron juntos en marzo de 1994, y allí surgió una pieza de tres horas que era principalmente un diálogo. A finales de 1994, la Revista Q le pidió a Bowie que escribiera un diario por diez días (para ser publicado posteriormente en la revista), pero Bowie, temeroso de que su diario fuera aburrido (“… yendo al estudio, volviendo a casa, yendo a dormir”), escribió en su lugar un diario de uno de sus personajes ficticios (Nathan Adler) a raíz de su improvisación anterior con Eno. Bowie dijo “en lugar de 10 días, ¡se convirtieron en 15 años de su vida!”. Esta se convirtió en la base para la historia de Outside.
Earthling
Earthling es el vigésimo álbum de estudio del músico y compositor británico David Bowie. Fue lanzado originalmente en febrero de 1997 por Arista Records. El álbum muestra un sonido influido por la música electrónica inspirada en parte por la cultura industrial y drum and bass de la década de 1990. Fue el primer álbum de Bowie autoproducido desde su álbum de 1974, Diamond Dogs.
David Bowie regresó al estudio cinco días después de terminar la gira de su álbum anterior, Outside (1995). Aproximadamente una semana después del lanzamiento del álbum, Bowie le dijo a un entrevistador: “Realmente pensé que sería genial si podíamos hacer una foto, casi una fotografía sonora de cómo éramos en ese momento. Entonces, Reeves [Gabrels] y yo comenzamos a escribir inmediatamente después de que terminamos la gira”. A pesar de entrar al estudio sin material listo, el álbum tardó solo dos semanas y media en grabarse (típico en un álbum Bowie). Bowie comparó este álbum con su álbum de 1980, Scary Monsters (and Super Creeps), diciendo “Creo que hay un gran vínculo entre Scary Monsters y este álbum, hasta cierto punto. Ciertamente, la misma intensidad de agresión”. Bowie describió el álbum como un esfuerzo “para producir material realmente dinámico y de sonido agresivo”.
Acerca de la producción del sonido de drum and bass en el álbum, Bowie dijo: “A diferencia de la mayoría del material de drum and bass, no solo tomamos partes de los discos de otras personas y realizamos samples. En la batería, Zac [Alford] fue e hizo sus propios bucles y realizó todo tipo de tiempos y ritmos extraños. Luego los aceleramos hasta los 160 latidos por minuto. Así es como tratamos el álbum. Nos mantuvimos creando samples y creamos nuestro propio paisaje sonoro de alguna manera”.
Hours…’
Hours…’ es el vigesimoprimer álbum de estudio del músico británico David Bowie, publicado por Virgin Records en octubre de 1999. Este fue el último álbum de Bowie editado por el sub-sello de EMI. Fue el primer álbum completo de un importante artista disponible para descargar a través de Internet, precediendo a su lanzamiento físico en dos semanas.
Hours supuso el primer trabajo de Bowie desde The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars en no entrar en el Top 40 de Billboard 200, alcanzando la posición 47
Bowie y Reeves Gabrels escribieron juntos las canciones tanto para Hours como para el videojuego de aventuras Omikron: The Nomad Soul al mismo tiempo. Según Gabrels, establecieron sesiones especiales de escritura para escribir la música para estos proyectos, luego grabaron demos en estudios localizados en Bermuda y París. El mismo Gabrels escribió más de 3 horas de canciones instrumentales para el juego (además de las canciones que él y Bowie habían escrito juntos). Gabrels describió estos temas como “más electrónicos y de naturaleza agresiva que los del álbum de Hours” y sugirió que habría un álbum instrumental de Omikron, The Nomad Soul por lanzarse el año que viene.
El crítico principal de AllMusic, Stephen Thomas Erlewine escribió: “puede que no sea uno de los clásicos de Bowie, pero es el trabajo de un músico magistral que ha comenzado a disfrutar nuevamente de su oficio y no tiene miedo de que las cosas se desarrollen naturalmente”. El crítico de Rolling Stone, Greg Tate, describió al disco como “un álbum que mejora con cada nueva escucha” y “una mayor confirmación de la observación de Richard Pryor de que los llaman viejos sabios porque todos los jóvenes sabios están muertos”. De manera similar, Alternative Press describió a Hours como “una obra maestra” y agregó que “encuentra a Bowie volviendo a lo básico que nunca debería haber dejado atrás”.
Ryan Schreiber de Pitchfork criticó al álbum, diciendo: “Hours opta por un sonido único, pero sin embargo el sonido adult-contemporary se presenta con toda la vitalidad y la energía de un tronco podrido”. Schreiber declaró además: “No, no es un nuevo fracaso, pero eso no significa que no sea embarazoso”. Escribiendo para Select, John Mullen consideró que el álbum era una mejora en Earthling, pero comparó a Bowie con una “versión de alta definición” de Sting y concluyó: “Incluso en el exorcismo personal de “Seven” hay una falta de urgencia que sugiere que el ‘confesionario’ es simplemente otro estilo que Bowie está probando para encajar”.
Heathen
Heathen es el vigesimosegundo álbum de estudio del músico británico David Bowie, publicado por Columbia Records en junio de 2002. El álbum fue considerado como el regreso de Bowie al mercado norteamericano al conseguir su puesto más alto en las listas de discos más vendidos desde la publicación en 1984 de Tonight y las mejores críticas de la prensa musical desde Scary Monsters (and Super Creeps).
A nivel mundial, Heathen vendió más de dos millones de copias y permaneció más de cuatro meses en la lista de discos más vendidos de su país natal. Aunque su grabación comenzó antes de los ataques terroristas del 11-S y fue finalizado tras esa fecha, los acontecimientos influyeron el concepto musical del álbum.
Heathen marcó el retorno a los trabajos de Bowie del productor musical Tony Visconti, quien previamente había coproducido varios álbumes del músico, el último de ellos Scary Monsters en 1980. Este fue el primer disco post-Tin Machine en el cual no trabajó con el guitarrista Reeves Gabrels.
Originalmente, Bowie había grabado el álbum Toy con el propósito de publicarlo en torno al año 2000, formado por nuevas canciones y re-grabaciones de canciones poco conocidas de la década de 1960. Aunque Toy sigue siendo un álbum inédito, algunas canciones del álbum – como “Afraid” y “Slip Away” – fueron publicadas en Heathen. Las otras re-grabaciones que quedaron inéditas, terminaron saliendo como lados B de los sencillos de Heathen.
Reality
Reality es el vigésimotercer álbum de estudio del músico y compositor británico David Bowie. Fue lanzado el 15 de septiembre de 2003 bajo su sello Iso Records, en conjunto con Columbia Records.
Bowie comenzó a escribir las canciones para Reality mientras terminaba la producción de su álbum anterior Heathen. Una de las canciones que escribió rápidamente fue “Fall Dog Bombs the Moon” escrita en 30 minutos. Otra canción, como “Bring Me the Disco King“, era una canción que Bowie había probado en los años 70 y que había intentado grabar nuevamente para Black Tie White Noise de 1993, y para Earthling de 1997. El álbum fue grabado y producido en los Looking Glass Studios de Nueva York y coproducido por Bowie y Tony Visconti. Bowie escribió cuatro o cinco canciones en el estudio de su casa antes de entrar al Looking Glass. Bowie y Visconti tomaron esas pistas y las trabajaron en aproximadamente 7 canciones, antes de añadir overdubs como guitarras rítmicas y teclados. Según Visconti, durante esta parte del proceso se encargaron de grabar las cosas correctamente, diciendo “Casi no rehicimos nada. Siempre grabo las cosas cuidadosamente la primera vez, porque sé que no las vamos a rehacer, así que muchas de las partes de las demos terminaron en la versión final”. Luego tomaron “un breve descanso” durante el cual Bowie escribió algunas canciones más, y luego comenzaron el proceso de overdubs nuevamente con ese nuevo material. Consiste principalmente en composiciones originales, el álbum también incluye dos canciones escritas por otros, “Pablo Picasso” originalmente grabada por The Modern Lovers, y “Try Some, Buy Some” de George Harrison. Estas dos pistas fueron originalmente programadas para la secuela de Pin Ups nunca grabada de Bowie de principios de la década de 1970. Bowie y Visconti produjeron, tanto el estéreo como la mezcla 5.1, en el estudio mientras se grababa el álbum. De la mezcla 5.1, Visconti dijo: “Mi enfoque en el 5.1 es involucrarme en conseguir que los instrumentos se envuelvan alrededor de ti en lugar de frente a ti. En lugar de ponerte en el asiento de la audiencia, realmente te puse en la banda, y eso es lo que hice con Reality. Además, puse un poco de la voz en los altavoces traseros para crear espacio nuevamente”.
Bowie generalmente grababa su voz para las canciones en solo una o dos tomas. Visconti comentó que Bowie había dejado de fumar recientemente y, como resultado, “ha recuperado parte de su rango alto. Había perdido al menos cinco semitonos, y ahora ha recuperado la mayoría de ellos. Quiero decir, en los viejos tiempos solía canta “Life on Mars?” en la clave de C. Ahora tiene que cantarla en la clave de G.”
The Next Day
The Next Day es el vigesimocuarto álbum de estudio del músico británico David Bowie, publicado por la compañía discográfica Columbia Records el 8 de marzo de 2013. El disco fue anunciado por el propio Bowie el 8 de enero, coincidiendo con su 66º cumpleaños, a través de su página web oficial, con el estreno del videoclip de «Where Are We Now?» y su lanzamiento en iTunes.
El álbum, el primero con material nuevo en diez años desde el lanzamiento de Reality, sorprendió a sus seguidores y a los medios de comunicación, quienes creyeron que el músico se había retirado del mundo de la música. El disco debutó en formato streaming a través de iTunes días antes de la fecha de lanzamiento. The Next Day Extra, un disco extra con cuatro nuevas canciones y remezclas del álbum original, fue reeditado en noviembre.
Tras su publicación, The Next Day obtuvo en general críticas positivas de la prensa musical y otorgó a Bowie su primer número uno en el Reino Unido desde el lanzamiento en 1993 de Black Tie White Noise. Además, fue destacado por la revista alemana Kulturnews como el segundo mejor disco de 2013, detrás de Sway de Blue October, y fue también nominado al Premio Mercury de 2013. The Next Day fue también nominado al Grammy en la categoría de mejor álbum de rock en la 56ª gala de los premios y al premio Brit al álbum británico del año.
Bowie y el productor Visconti trabajaron en secreto, sin el conocimiento de la prensa musical, junto al ingeniero Mario J. McNulty, grabando el álbum durante un periodo de dos años. Las sesiones de grabación fueron esporádicas, y Visconti, que tras la publicación de The Next Day se convirtió en el principal promotor del álbum, estimó que durante los tres primeros meses solo grabaron demos. Visconti recalcó que el álbum comenzó con una sesión que duró una semana.
Blackstar
Blackstar es el vigésimo quinto y último álbum de estudio del músico británico David Bowie, publicado por la compañía discográfica Sony Records el 8 de enero de 2016, coincidiendo con el cumpleaños n.° 69 del artista y dos días antes de su fallecimiento. Blackstar fue anunciado por el propio Bowie en su página web el 25 de octubre de 2015 mediante una nota de prensa en la que se revelaba tanto la fecha de lanzamiento del álbum como la del primer sencillo, «Blackstar».
El álbum fue recibido con buenas reseñas de la prensa musical y con un notable éxito comercial al alcanzar el primer puesto en las listas de numerosos países a raíz de la muerte de Bowie. Al respecto, Blackstar vendió 146 000 copias en su primera semana a la venta en el Reino Unido y más de 181 000 en los Estados Unidos. Pocos días después del lanzamiento del álbum, Amazon vendió todas las existencias de Blackstar tanto en su edición en CD como en vinilo. Una semana después, Blackstar alcanzó el primer puesto en la lista de descargas de iTunes en 25 países y se convirtió en el primer álbum de Bowie en llegar a la primera posición de la lista estadounidense Billboard 200.
La portada del álbum, al igual que la de su predecesor The Next Day, fue diseñada por Jonathan Barnbrook. El diseño de esta consiste en el dibujo de una estrella de color negro sobre un fondo blanco. La silueta del astro ocupa gran parte de la imagen, exceptuando la parte inferior, en la que se puede apreciar la descomposición de la estrella en cinco partes distintas, que observadas detalladamente conforman la palabra Bowie.
Toy
Toy es un álbum publicado póstumamente por el músico británico David Bowie. El álbum fue grabado para su lanzamiento en 2001, y filtrado en el Internet en 2011. A pesar de que Bowie haya comenzado a grabar el álbum como un intento de presentar nuevas versiones de sus canciones más antiguas, así como también de 3 nuevas canciones, estás sesiones de grabación lo llevaron a grabar Heathen (2002) y no fue publicado oficialmente hasta que Warner Music Group anunció el 29 de septiembre de 2021 que obtendría su lanzamiento oficial como parte de la caja recopilatoria Brilliant Adventure (1992–2001) el 26 de noviembre de 2021. Una edición de lujo fue publicada el 7 de enero de 2022.
En marzo de 2011, 14 canciones de las sesiones de Toy, excluyendo «Karma Man» y «Can’t Help Thinking About Me», fueron filtradas en la Internet, atrayendo atención mediática. Las canciones filtradas son diferentes mezclas comparadas a los lanzamientos de lado B y bonus tracks oficiales. De acuerdo al biógrafo Nicholas Pegg, las ediciones sugieren que no son grabaciones masterizadas, sino pistas en una etapa temprana de mezcla. Cuando se le preguntó acerca de la filtración, Plati negó cualquier participación y dijo: “Creo que alguien obtuvo una mezcla preliminar en CD de alguna manera”.
Diez años después, el 29 de septiembre de 2021, Warner Music Group anunció que Toy tendría un lanzamiento oficial el 26 de noviembre de 2021 como parte de la caja recopilatoria Brilliant Adventure (1992–2001) a través de ISO y Parlophone. «You’ve Got a Habit of Leaving» fue publicado como un sencillo digital el mismo día. «Karma Man» y una mezcla alternativa de «Silly Boy Blue» fueron publicadas como el segundo sencillo el 15 de octubre, mientras que «Can’t Help Thinking About Me» fue publicado como el tercer y último sencillo el 19 de noviembre.
Una edición de lujo, titulada Toy:Box, fue publicada el 7 de enero de 2022. El lanzamiento incluía fotografías inéditas, mezclas alternativas y 13 nuevas remezclas tituladas “Unplugged and Somewhat Slightly Electric” de las canciones de Toy. Estas remezclas contenían nuevas partes de guitarra por Plati y Earl Slick, replicando un estilo hecho por Keith Richards de The Rolling Stones. La mezcla «Unplugged and Somewhat Slightly Electric» de «Shadow Man» fue publicada como sencillo en los servicios de streaming el 6 de enero. La canción de cierre, «Toy (Your Turn to Drive)», es una nueva canción recopilada de una improvisación extensa durante una toma de «I Dig Everything». Visconti, quien lo llamó el “álbum fantasma” de Bowie, estuvo positivo acerca de su lanzamiento oficial, diciéndole a la revista Uncut que el creía que el álbum contenía algunos de los mejores trabajos de Bowie”.
